Cum se utilizează cele 7 principii ale artei și designului în fotografie - Bogdan Dodan: Destination Wedding Photographer
7338
post-template-default,single,single-post,postid-7338,single-format-standard,bridge-core-2.3,ajax_fade,page_not_loaded,,qode-title-hidden,qode_grid_1300,qode-content-sidebar-responsive,transparent_content,qode-theme-ver-21.7,qode-theme-bridge,disabled_footer_bottom,qode_header_in_grid,wpb-js-composer js-comp-ver-6.2.0,vc_responsive,elementor-default,elementor-kit-6,elementor-page elementor-page-7338

Cum se utilizează cele 7 principii ale artei și designului în fotografie

Te-ai întrebat vreodată cum elementele unei fotografii se reunesc pentru a forma o imagine de succes?

În acest articol vom analiza cum să utilizăm cele 7 principii ale artei și designului. Aceste principii de proiectare te vor ajuta să creezi imagini mai bune și mai interesante.

Care sunt cele 7 principii ale artei și designului?

Cele 7 principii ale artei și designului sunt echilibrul, ritmul, modelul, accentul, contrastul, unitatea și mișcarea.

Folosește elementele de artă și design – linie, formă / formă, spațiu, valoare, culoare și textură – pentru a crea o compoziție în ansamblu.

Elementele de artă și design sunt instrumentele artiștilor vizuali. Principiile artei și designului reprezintă modul în care un artist folosește aceste instrumente pentru a crea artă vizuală.

Prin aplicarea celor 7 principii ale artei și designului, fotografii pot crea o imagine coerentă bazată pe fundamentele teoriei artei.

Să aruncăm o privire mai atentă la fiecare principiu.

7. echilibrul

Echilibrul este utilizat pentru a ilustra greutatea vizuală a unei imagini. Poate uni o fotografie sau crea o diviziune. O imagine atent echilibrată oferă un sentiment de stabilitate unei fotografii.

O imagine dezechilibrată creează dezbinare sau tulburări.

Ambele aplicații sunt în regulă, în funcție de rezultatul dorit.

Poți obține echilibrul în trei moduri:

Simetrie – ambele părți ale unei imagini reflectă același subiect, precum o imagine în oglindă.

Asimetria – elementele contrastante echilibrează imaginea. De exemplu, o suprafață puternic texturată pe o parte a unei imagini, contrabalansată de o suprafață netedă, mată pe cealaltă parte.

Simetrie radială – elemente distanțate în egală măsură în jurul unui punct central, precum spițele de pe roată.

Echilibrul este senzual prin faptul că „se simte” greșit sau corect.

Dacă dorești să accentuezi echilibrul într-o imagine, încearcă să muți camera pentru a obține perspective diferite. De asemenea, poți încerca să fotografiezi diferite câmpuri de textură și culoare.

Nu-ți fie teamă să experimentezi puțin.

6. Ritmul

În multe feluri, compoziția în muzică este foarte similară cu compoziția din fotografie. Conceptul fotografic de ritm împrumută foarte mult din teoria muzicii.

La fel ca un muzician care citește notele de pe o foaie de muzică, subiectele dintr-un spațiu reglementează modul în care vizualizăm o fotografie.

Ritmul dictează distribuirea recurentă sau organizată / dezorganizată a elementelor vizuale de-a lungul unei imagini.

Pentru a introduce un sentiment de ritm în fotografiile tale, încearcă să vizualizezi notația muzicală.

Spațiile, corelațiile și diferențele dintre subiecte dintr-o fotografie ca aceasta reflectă notele pe o foaie de muzică.

5. Modelul

Modelul are sensul lumii vizuale prin regularitate. De la obiecte artificiale la material organic și abstractizare.

Elementele de design pot fi organizate în mod previzibil pentru a forma modelul. Simplu, modelele sunt repetări ale elementelor de artă și design.

Acestea funcționează la unison într-un singur cadru.

Ochiul uman este calibrat pentru a căuta modele. Acest lucru poate evoca reacții emoționale surprinzătoare din partea observatorului.

Modelele sunt un principiu activ de artă și design, ele ridicând o imagine de pe pagină.

Încorporarea modelului în fotografie este la fel de mult despre explorare, cât despre tehnica fotografică.

Încearcă să cauți caracteristici arhitecturale și urbane sau subiecte organice precum florile. Odată ce începi să cauți, vei fi uimit de abundența tiparelor din jurul tău.

4. Accentul

Accentul modelează centrul de interes într-o imagine. Culoarea, spațiul, textura și liniile lucrează împreună pentru a determina reușita unei imagini.

Există multe moduri de a crea accent într-o fotografie. Accentul spațial implică orientarea unui subiect în cadrul fotografic.


Un subiect singur situat în centrul unei imagini va atrage atenția.

Este cea mai ușor componentă disponibilă a fotografiei. Discutam despre aspectul acesta în cursul gratuit, dar și în cel experiențial, când am ajuns la discuția despre compoziția unei fotografii.


Pentru o fotografie cu un număr de subiecți, gruparea selectivă îndrumă privirea observatorului către anumite puncte focale, numite și puncte de putere.


Mărimea unui subiect determină, de asemenea, modul în care observatorul va „citi” o fotografie. Un subiect mai mare sugerează o apropiere de suprafața fotografiei.

Comandă o atenție mai mare decât cea a unui subiect mai mic în fundal.


Incorporând dimensiunea, spune o poveste despre fizicitatea subiecților într-o fotografie, adăugând profunzime și perspectivă.


Culoarea este un alt instrument care poate cultiva accentul. Un subiect viu colorat într-o scenă întunecată dă un sentiment de vibranță și viață unei imagini.

Atrage privirea observatorului.

3. contrastul


Contrastul este creat atunci când două sau mai multe elemente opuse sunt prezente într-o fotografie. Ușor împotriva întunericului, cald contra răcorosului.


Însă contrastul include și elemente fizice. Textura este un alt mod de a utiliza principiul contrastului în fotografie. Includerea a două sau mai multe texturi într-o fotografie nu numai că introduce tactilitate, ci creează un sentiment de loc.


O picătură rotundă de apă care se sprijină pe tendinele confuze ale unei plante, este un exemplu de subiect textual care contrastează.


Contrastarea subiectului aduce narațiunea în fotografie. De asemenea, poți încerca juxtapunerea atributelor precum claritatea și moliciunea, vechi și nou sau curbat și drept.

2. Unitatea


Unitatea descrie relația vizuală dintre elementele prezente într-o fotografie. Ajută la crearea unei imagini coerente.


Folosind culori sau tonuri similare, concepte sau elemente, cultivă un sentiment de unitate.

Dezbinarea este invers. Tăierea necorespunzătoare, perspectivele incomode sau supraexpunerea, perturbă o imagine și poate provoca dezbinare.


Un alt aspect care stă la baza unei imagini unificate este ideea clară a unui rezultat fotografic. Un rezultat fotografic, sau un obiectiv, este imaginea mentală idealizată a unei fotografii înainte de a fi realizată.


Prin pre-vizualizarea unui rezultat, un fotograf poate dezvolta o idee mai clară despre scopul unei fotografii. Aceasta la rândul său permite fotografului să preia un control mai mare asupra imaginii.

1. Mișcarea


Termenul „mișcare” în fotografie descrie adesea relația dintre viteza obturatorului camerei și un subiect.

Când vine vorba de artă și design, mișcarea se referă la calea pe care o face observatorul în timp ce citește o fotografie.


Mișcarea este modelată de elementele și principiile artei și designului. Așadar, fotograful poate prelua controlul asupra modului în care observatorul ”absoarbe” o fotografie.


De exemplu, utilizarea liniei în fotografie creează „autostrăzi vizuale” care ghidează privirea observatorului.


Liniile zimțate creează emoție, mutând privirea privitorului dintr-un punct în altul. Liniile curbate sunt mai subtile. Acestea reduc viteza cu care este vizualizată o fotografie.


Înțelegerea naturii și psihologiei vederii umane este o parte importantă a controlului mișcării. De exemplu, ochiul uman este mai sensibil la anumite culori față de altele.

Roșu atrage atenția. Nuanțele de albastru sunt mai blânde și mai subtile. Și aici, mișcarea poate fi direcționată prin utilizarea selectivă a culorii și a saturației.

Există o mulțime de moduri diferite de a ghida privirea observatorului într-o fotografie.

Mișcarea studiază natura ochiului, precum și psihologia din spatele modului în care absorbim informațiile vizuale.

Concluzie


Cele 7 principii ale artei și designului în fotografie; echilibrul, ritmul, modelul, accentul, contrastul, unitatea și mișcarea, constituie fundamentul artelor vizuale.


Utilizarea celor 7 principii îți permite să controlezi mai mult practica fotografică. Acest lucru va duce la fotografii mai bune și mai multe oportunități fotografice.

Tu folosești aceste principii? Care sunt rezultatele tale? Scrie-mi la [email protected] și arată-mi rezultatele tale.

Dacă ești nou în lumea fotografiei, te invit să participi la cursul gratuit.

Dă CLICK aici! Vei învăța cum să folosești aparatul foto în modul manual și multe alte aspecte de care trebuie să ții cont pentru a deveni un bun fotograf.

Ține legătura cu mine prin social pentru ultimele noutăți!

Bogdan Dodan - fotograf, antreprenor și autor de cursuri online - CEO Dodan Academy

No Comments

Post A Comment